samedi 24 juillet 2021

François Dumont piano

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© Joseph Berardi
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Journée
de la Terre aux Etoiles #1


JOHANN SEBASTIEN BACH
1685–1750 / FERRUCCIO BUSONI 1866–1924
Prélude-Choral «Komm’, Gott, Schöpfer, heiliger Geist»

DEODAT DE SEVERAC 1872–1921
Le Chant de la terre, poème géorgique
Prologue (L’âme de la terre)
1 — Le Labour
2 — Les Semailles
Interlude (Conte à la veillée)
3 – La Grêle
4 — Les Moissons
Épilogue (Le jour des noces)


SOPHIE LACAZE
Née en 1963
Vers les étoiles
Les anneaux d’Uranus
Pluton
Gliese 486b

Création

FRANZ LISZT 1811–1886
Les Jeux d’eau de la villa d’Este, extrait de la 3ème Année de pèlerinage
Orage, extrait de la 1ère Année de pèlerinage
La Vallée d’Oberman, extrait de la 1ère Année de pèlerinage

François Dumont piano

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Chants de la terre et des étoiles

Voici un récital qui s’inaugure dans l’allégresse du « Veni Creator » — version allemande : « Komm’, Gott, Schöpfer, heiliger Geist ». Traduit du latin en allemand à l’époque de la Réforme, cet hymne grégorien devenu un choral luthérien fait partie de ceux qui ont été travaillés par Bach pour l’orgue, dans ce corpus que l’on nomme les « Préludes de choral ». C’est le grand pianiste et compositeur italo-allemand, Ferruccio Busoni, qui en a proposé près de deux siècles plus tard une magistrale et convaincante transcription pour piano. Si l’on revient un instant sur la teneur du texte, on y découvre la célébration de la création tout entière, ce qui forme un idéal lever de rideau à deux journées de concerts consacrées à la thématique « De la Terre aux Étoiles »…

Avec une œuvre de Déodat de Séverac rarement donnée au concert, Le Chant de la terre, on a affaire à une musique « de terroir », de louange profane à la terre natale, comme un certain nombre de compositeurs français du passage du 19e au 20e siècle en sont coutumiers. Vincent d’Indy s’y était livré en 1886 dans sa Symphonie sur un chant montagnard français (dite « Cévenole »). Dans l’entre-deux guerres, ce sera Joseph Canteloube, dans ses Chants d’Auvergne – 1923–1930. Un autre représentant bien connu de cette tendance régionaliste : Déodat de Séverac compose en 1901 son Chant de la terre, poème géorgique pour piano, en sept parties. Canteloube, son ami, publiera en 1951 une monographie consacrée à Déodat de Séverac où il écrit: « Il conseille de revenir à sa terre, à sa race, à la lumière, à l’air, au soleil, à la couleur de chez soi et cela, non par vaine attitude, mais parce qu’il est convaincu de cette nécessité ». Cette profession de foi du « chez soi » et du « bien de chez nous » sera liée ensuite chez Canteloube, à vrai dire, à son adhésion au régime de Vichy, ce qui la rend pour le moins suspecte. Acteur important de la politique culturelle pétainiste, Canteloube écrit dans L’Action française : « Il faut aux chants de la terre, leur décor, leur cadre, leur accompagnement de nature, de plein air. »

Mais chez Déodat de Séverac, il s’agit plutôt d’une rêverie, du déploiement d’un paysage de type impressionniste , ce que le pianiste Alfred Cortot développe ainsi : « Déodat eût écrit pour les Géorgiques la musique que Virgile eût aimé, expansive, familière et grave et telle que son Chant de la terre nous en donne l’avant-goût. Il eût été – il était déjà — et sans rien abdiquer de sa personnalité, notre Granados… »

C’est une autre façon d’explorer les paysages de la nature que semble proposer Liszt dans le cycle des « Années de Pèlerinage ». Commencée en 1836, à l’époque du voyage de Liszt en compagnie de Marie d’Agoult en Suisse et en Italie (escapade entreprise pour échapper au scandale que suscitait à Paris leur liaison…), la composition de ce grand ensemble de pièces divisé en trois cahiers se développera jusqu’en 1877 et comprend des pièces évocatrices de paysages particuliers mais aussi des pièces plus abstraites, portant le titre d’œuvres célèbres de la peinture et de la poésie italienne (Raphaël, Pétrarque, etc.).

Les trois pièces au programme de ce récital donnent une très bonne idée de la diversité de styles qu’y parcourt le compositeur : si l’Italie évoquée ici est plutôt celle d’une nature civilisée et ordonnée par la main humaine (villas et jardins, tels que ceux qui émaillent la rive du Lac de Côme, ville où, soit dit en passant, naquit la fille illégitime de Liszt et Marie d’Agoult : Cosima, la bien nommée, future femme de Wagner, ou encore le fameux jardin de la Villa d’Este, à Tivoli, près de Rome, avec ses jets d’eau spectaculaires), la Suisse s’y voit mise en musique sous l’angle d’une poétique des éléments, comme dans la pièce intitulée Orage.

Quant à la Vallée d’Obermann, l’une des pièces les plus complexes et les plus riches du cycle tout entier, elle se présente comme une plongée dans les abimes d’une angoisse métaphysique. Obermann est le titre d’un roman épistolaire d’Étienne Pivert de Sénancour (1770–1846), publié en 1804 et qui avait connu un grand succès dans les cercles cultivés du premier romantisme. Liszt y pioche la citation suivante : « Que veux-je ? Que suis-je ? Que demander à la nature ? » Tout un programme… qui donne lieu à une pièce de près d’un ¼ d’heure, dense d’idées pianistiques très diverses et proposant une véritable dramaturgie, de la ténébreuse mélancolie initiale à la paix finale, en passant par des séquences de récitatif, de narration en musique, de déferlements virtuoses…

H.P.

Des Aborigènes aux étoiles

Rencontre avec Sophie Lacaze, à propos de son œuvre « Vers les étoiles »

« Je compose en ce moment à partir de sons enregistrés par la NASA : les satellites de la NASA captent des ondes électro-magnétiques et les transforment en ondes sonores. J’aime beaucoup ces sons : c’est de la musique, en fait. Et depuis trois ans environ, je travaille sur ces sonorités pour mes œuvres, en explorant ce matériau, planète par planète, qui m’inspire des timbres, des motifs mélodiques, des rythmes… Les pièces que j’ai écrites à partir de ces sonorités étaient jusqu’à présent pour voix, vents, cordes, mais composer une œuvre pour piano est un véritable challenge parce que ce sont des sons entretenus, c’est-à-dire qu’il y a une sorte de constant bruit de fond, de souffle, que le piano ne permet pas de suggérer.

« Vers les étoiles » est constitué de trois mouvements, qui portent des noms de planètes et qui s’inspirent de ces sons de la NASA, ainsi que de pièces antérieures que j’ai composées sur les mêmes sonorités. Comme je travaille beaucoup sur le timbre, il y a dans chacune de mes œuvres une réminiscence d’une pièce précédente composée pour des instruments différents. Aux « Anneaux d’Uranus » (première pièce du triptyque « Vers les étoiles »), s’intègre une partie de ma pièce pour 3 voix et saxophone intitulée « Je vois passer l’ange », réécrite et repensée pour le piano. La deuxième pièce, « Pluton », reprend des éléments d’une pièce que j’avais composée pour orchestre à cordes. Et la troisième, quant à elle totalement nouvelle, s’intitule « Gliese 486b » — du nom d’une exoplanète récemment découverte par les astronomes, de la taille d’environ 1,5 fois la terre, une planète rocheuse dotée d’une atmosphère…

De nombreux titres, dans le catalogue de vos œuvres, font référence à la terre, au ciel, à la nature en général…

Depuis mes débuts, je compose sur le thème de la nature et de l’environnement. J’ai passé deux ans en Australie où j’ai découvert la musique et la culture des Aborigènes, qui m’ont beaucoup marquée. J’utilise d’ailleurs régulièrement le didjeridoo, un instrument traditionnel formé d’une grande branche d’eucalyptus à l’origine creusée par les termites et qui, lorsque l’on souffle dedans, produit une sorte de bourdon grave. L’instrumentiste joue avec les harmoniques et imite avec sa voix les sonorités des animaux australiens.
Toute ma musique est basée sur le souffle et la vibration. Le souffle, c’est la vie, et la vibration est ce qui l’anime. Quand je fais travailler des chanteurs, je leur demande souvent de modifier leur vibrato naturel. Pour les cordes, on peut également travailler sur un certain type de vibrato, ou encore utiliser certains modes de jeu pour imiter le souffle. Ce qui m’intéresse aussi est le fait que les Aborigènes ont une conception de la nature complètement différente de la nôtre : au lieu de l’asservir comme nous le faisons, pour pouvoir nous nourrir, etc., eux se mettent à son service. Ils lui permettent de se développer, sans lui faire violence. Tout cela est entré dans ma musique.

Vous êtes aussi très intéressée par le rituel et l’incantation…

Chez les Aborigènes, il y a ces rythmes simples, répétitifs, qui mènent à l’incantation. Et j’ai repris cela dans ma musique, ce qui me rapproche un peu des minimalistes américains, mais par des biais différents… Parmi les compositeurs que j’admire beaucoup, il y a Claude Debussy bien sûr, avec son intérêt pour le timbre et sa musique sublime, mais aussi Erik Satie, pour son sens de l’épure — ma propre musique est de plus en plus épurée. Je l’apprécie aussi pour ce détachement et cet humour qui le caractérisent plus qu’un autre.

Que vous inspire, dans le récital de François Dumont, la proximité de votre œuvre avec les pièces de Bach, Déodat de Séverac et Liszt ?

Déodat de Séverac était un compositeur du sud de la France, très attaché à sa région, à la nature, la mer, les Pyrénées… Je me sens proche de lui pour cela. Quant à Jean-Sébastien Bach, c’est l’alliance de la rigueur et de la beauté impalpable… Et pour revenir aux étoiles, plusieurs extraits des œuvres de Bach figurent sur le disque d’or que la NASA a envoyé dans l’espace, via ses sondes spatiales « Voyager », pour témoigner des réalisations de l’humanité, si ces sondes venaient un jour à croiser la route d’habitants d’autres planètes…

(Propos recueillis par Hélène Pierrakos)

Infos et Réservation

samedi 24 juillet 2021
à 11:00

Maison des Relations Internationales - Nelson Mandela
14 rue Descente en Barrat

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JOHANN SEBASTIEN BACH
1685–1750 / FERRUCCIO BUSONI 1866–1924
Prélude-Choral «Komm’, Gott, Schöpfer, heiliger Geist»

DEODAT DE SEVERAC 1872–1921
Le Chant de la terre, poème géorgique
Prologue (L’âme de la terre)
1 — Le Labour
2 — Les Semailles
Interlude (Conte à la veillée)
3 – La Grêle
4 — Les Moissons
Épilogue (Le jour des noces)


SOPHIE LACAZE
Née en 1963
Vers les étoiles
Les anneaux d’Uranus
Pluton
Gliese 486b

Création

FRANZ LISZT 1811–1886
Les Jeux d’eau de la villa d’Este, extrait de la 3ème Année de pèlerinage
Orage, extrait de la 1ère Année de pèlerinage
La Vallée d’Oberman, extrait de la 1ère Année de pèlerinage

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Chants de la terre et des étoiles

Voici un récital qui s’inaugure dans l’allégresse du « Veni Creator » — version allemande : « Komm’, Gott, Schöpfer, heiliger Geist ». Traduit du latin en allemand à l’époque de la Réforme, cet hymne grégorien devenu un choral luthérien fait partie de ceux qui ont été travaillés par Bach pour l’orgue, dans ce corpus que l’on nomme les « Préludes de choral ». C’est le grand pianiste et compositeur italo-allemand, Ferruccio Busoni, qui en a proposé près de deux siècles plus tard une magistrale et convaincante transcription pour piano. Si l’on revient un instant sur la teneur du texte, on y découvre la célébration de la création tout entière, ce qui forme un idéal lever de rideau à deux journées de concerts consacrées à la thématique « De la Terre aux Étoiles »…

Avec une œuvre de Déodat de Séverac rarement donnée au concert, Le Chant de la terre, on a affaire à une musique « de terroir », de louange profane à la terre natale, comme un certain nombre de compositeurs français du passage du 19e au 20e siècle en sont coutumiers. Vincent d’Indy s’y était livré en 1886 dans sa Symphonie sur un chant montagnard français (dite « Cévenole »). Dans l’entre-deux guerres, ce sera Joseph Canteloube, dans ses Chants d’Auvergne – 1923–1930. Un autre représentant bien connu de cette tendance régionaliste : Déodat de Séverac compose en 1901 son Chant de la terre, poème géorgique pour piano, en sept parties. Canteloube, son ami, publiera en 1951 une monographie consacrée à Déodat de Séverac où il écrit: « Il conseille de revenir à sa terre, à sa race, à la lumière, à l’air, au soleil, à la couleur de chez soi et cela, non par vaine attitude, mais parce qu’il est convaincu de cette nécessité ». Cette profession de foi du « chez soi » et du « bien de chez nous » sera liée ensuite chez Canteloube, à vrai dire, à son adhésion au régime de Vichy, ce qui la rend pour le moins suspecte. Acteur important de la politique culturelle pétainiste, Canteloube écrit dans L’Action française : « Il faut aux chants de la terre, leur décor, leur cadre, leur accompagnement de nature, de plein air. »

Mais chez Déodat de Séverac, il s’agit plutôt d’une rêverie, du déploiement d’un paysage de type impressionniste , ce que le pianiste Alfred Cortot développe ainsi : « Déodat eût écrit pour les Géorgiques la musique que Virgile eût aimé, expansive, familière et grave et telle que son Chant de la terre nous en donne l’avant-goût. Il eût été – il était déjà — et sans rien abdiquer de sa personnalité, notre Granados… »

C’est une autre façon d’explorer les paysages de la nature que semble proposer Liszt dans le cycle des « Années de Pèlerinage ». Commencée en 1836, à l’époque du voyage de Liszt en compagnie de Marie d’Agoult en Suisse et en Italie (escapade entreprise pour échapper au scandale que suscitait à Paris leur liaison…), la composition de ce grand ensemble de pièces divisé en trois cahiers se développera jusqu’en 1877 et comprend des pièces évocatrices de paysages particuliers mais aussi des pièces plus abstraites, portant le titre d’œuvres célèbres de la peinture et de la poésie italienne (Raphaël, Pétrarque, etc.).

Les trois pièces au programme de ce récital donnent une très bonne idée de la diversité de styles qu’y parcourt le compositeur : si l’Italie évoquée ici est plutôt celle d’une nature civilisée et ordonnée par la main humaine (villas et jardins, tels que ceux qui émaillent la rive du Lac de Côme, ville où, soit dit en passant, naquit la fille illégitime de Liszt et Marie d’Agoult : Cosima, la bien nommée, future femme de Wagner, ou encore le fameux jardin de la Villa d’Este, à Tivoli, près de Rome, avec ses jets d’eau spectaculaires), la Suisse s’y voit mise en musique sous l’angle d’une poétique des éléments, comme dans la pièce intitulée Orage.

Quant à la Vallée d’Obermann, l’une des pièces les plus complexes et les plus riches du cycle tout entier, elle se présente comme une plongée dans les abimes d’une angoisse métaphysique. Obermann est le titre d’un roman épistolaire d’Étienne Pivert de Sénancour (1770–1846), publié en 1804 et qui avait connu un grand succès dans les cercles cultivés du premier romantisme. Liszt y pioche la citation suivante : « Que veux-je ? Que suis-je ? Que demander à la nature ? » Tout un programme… qui donne lieu à une pièce de près d’un ¼ d’heure, dense d’idées pianistiques très diverses et proposant une véritable dramaturgie, de la ténébreuse mélancolie initiale à la paix finale, en passant par des séquences de récitatif, de narration en musique, de déferlements virtuoses…

H.P.

Rencontre avec Sophie Lacaze, à propos de son œuvre « Vers les étoiles »

Des Aborigènes aux étoiles

Rencontre avec Sophie Lacaze, à propos de son œuvre « Vers les étoiles »

« Je compose en ce moment à partir de sons enregistrés par la NASA : les satellites de la NASA captent des ondes électro-magnétiques et les transforment en ondes sonores. J’aime beaucoup ces sons : c’est de la musique, en fait. Et depuis trois ans environ, je travaille sur ces sonorités pour mes œuvres, en explorant ce matériau, planète par planète, qui m’inspire des timbres, des motifs mélodiques, des rythmes… Les pièces que j’ai écrites à partir de ces sonorités étaient jusqu’à présent pour voix, vents, cordes, mais composer une œuvre pour piano est un véritable challenge parce que ce sont des sons entretenus, c’est-à-dire qu’il y a une sorte de constant bruit de fond, de souffle, que le piano ne permet pas de suggérer.

« Vers les étoiles » est constitué de trois mouvements, qui portent des noms de planètes et qui s’inspirent de ces sons de la NASA, ainsi que de pièces antérieures que j’ai composées sur les mêmes sonorités. Comme je travaille beaucoup sur le timbre, il y a dans chacune de mes œuvres une réminiscence d’une pièce précédente composée pour des instruments différents. Aux « Anneaux d’Uranus » (première pièce du triptyque « Vers les étoiles »), s’intègre une partie de ma pièce pour 3 voix et saxophone intitulée « Je vois passer l’ange », réécrite et repensée pour le piano. La deuxième pièce, « Pluton », reprend des éléments d’une pièce que j’avais composée pour orchestre à cordes. Et la troisième, quant à elle totalement nouvelle, s’intitule « Gliese 486b » — du nom d’une exoplanète récemment découverte par les astronomes, de la taille d’environ 1,5 fois la terre, une planète rocheuse dotée d’une atmosphère…

De nombreux titres, dans le catalogue de vos œuvres, font référence à la terre, au ciel, à la nature en général…

Depuis mes débuts, je compose sur le thème de la nature et de l’environnement. J’ai passé deux ans en Australie où j’ai découvert la musique et la culture des Aborigènes, qui m’ont beaucoup marquée. J’utilise d’ailleurs régulièrement le didjeridoo, un instrument traditionnel formé d’une grande branche d’eucalyptus à l’origine creusée par les termites et qui, lorsque l’on souffle dedans, produit une sorte de bourdon grave. L’instrumentiste joue avec les harmoniques et imite avec sa voix les sonorités des animaux australiens.
Toute ma musique est basée sur le souffle et la vibration. Le souffle, c’est la vie, et la vibration est ce qui l’anime. Quand je fais travailler des chanteurs, je leur demande souvent de modifier leur vibrato naturel. Pour les cordes, on peut également travailler sur un certain type de vibrato, ou encore utiliser certains modes de jeu pour imiter le souffle. Ce qui m’intéresse aussi est le fait que les Aborigènes ont une conception de la nature complètement différente de la nôtre : au lieu de l’asservir comme nous le faisons, pour pouvoir nous nourrir, etc., eux se mettent à son service. Ils lui permettent de se développer, sans lui faire violence. Tout cela est entré dans ma musique.

Vous êtes aussi très intéressée par le rituel et l’incantation…

Chez les Aborigènes, il y a ces rythmes simples, répétitifs, qui mènent à l’incantation. Et j’ai repris cela dans ma musique, ce qui me rapproche un peu des minimalistes américains, mais par des biais différents… Parmi les compositeurs que j’admire beaucoup, il y a Claude Debussy bien sûr, avec son intérêt pour le timbre et sa musique sublime, mais aussi Erik Satie, pour son sens de l’épure — ma propre musique est de plus en plus épurée. Je l’apprécie aussi pour ce détachement et cet humour qui le caractérisent plus qu’un autre.

Que vous inspire, dans le récital de François Dumont, la proximité de votre œuvre avec les pièces de Bach, Déodat de Séverac et Liszt ?

Déodat de Séverac était un compositeur du sud de la France, très attaché à sa région, à la nature, la mer, les Pyrénées… Je me sens proche de lui pour cela. Quant à Jean-Sébastien Bach, c’est l’alliance de la rigueur et de la beauté impalpable… Et pour revenir aux étoiles, plusieurs extraits des œuvres de Bach figurent sur le disque d’or que la NASA a envoyé dans l’espace, via ses sondes spatiales « Voyager », pour témoigner des réalisations de l’humanité, si ces sondes venaient un jour à croiser la route d’habitants d’autres planètes…

(Propos recueillis par Hélène Pierrakos)

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Concert organisé dans le cadre  du Festival Radio France Occitanie Montpellier

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